Eine neue Perspektive

In den vorhergehenden Jahren hatten Präsentationen in Paris, London, Hamburg, New York und Tokio verdeutlicht, dass Hammershøi der wichtigste dänische Künstler der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts ist. Über 30 ausgewählte Gemälde von Künstlern wie Fantin-Latour, Matisse, Munch, Seurat und Whistler positionierten den Dänen nun auch im internationalen Vergleich. Hammershøi war meistens als Einzelgänger in der dänischen Kunst betrachtet worden – eine monumentale Gestalt, die über ihren Zeitgenossen stand und sowohl im nationalen wie internationalen Kontext ihresgleichen suchte. Die Ausstellung hatte sich zum Ziel genommen, diese enge Perspektive erweitern.

Hammershøi in internationalem Kontext

Die Präsentation zeigte neben einer intensiven Auseinandersetzung mit dem wesentlichen Charakter von Hammershøis Malerei, also seiner limitierten Farbpalette, der trockenen Pinselführung und der angespannten Atmosphäre in seinen Darstellungen, auch seine zentralen Themen: die isolierte Figur im heimischen Interieur, der leere Raum, die verlassene Stadt und die nüchterne Landschaft. Diese Werkgruppen standen im Dialog mit Arbeiten von ausländischen Künstlern, um zu verdeutlichen, welche herausragende Position der Däne in der europäischen Malerei um 1900 einnahm. Dabei wurden zum einen unbestreitbare Vorbilder aufgespürt, zum anderen aber auch wechselseitige Einflüsse verschiedener Künstler veranschaulicht. So wird nachvollziehbar, welche ähnlichen Ideale, Ängste und Wünsche zu dieser Zeit um die Jahrhundertwende die Menschen in ganz Europa beschäftigten. Parallelen fanden sich vor allem im internationalen Symbolismus und beziogen sich auf Phänomene wie Stimmungen oder die schiere menschliche Existenz, im Gegensatz zu rein narrativen Elementen. In diesem Sinne ähnlich zu Hammershøi sind die Franzosen Eugène Carrière, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour und Georges Seurat, die Deutschen Hans am Ende und Fritz Overbeck, die Niederländer Eduard Karsen und Willem Witsen, die Belgier Fernand Khnopff und Xavier Mellery, der Italiener Luigi Selvatico, der Pole Jósef Pankiewicz, der Norweger Edvard Munch und der Amerikaner James Abbott McNeil Whistler. Aber natürlich traten auch Gemälde von dänischen Künstlern wie Anna Ancher, Svend Hammershøi, Carl Holsøe oder Peter Ilsted in einen spannungsreichen Bezug zu seinen Bildern.

Das Projekt wurde in Zusammenarbeit mit dem Statens Museum for Kunst in Kopenhagen organisiert, das Konzept der Ausstellung stammte von Kasper Monrad, Chefkurator am Statens Museum for Kunst. Für die Realisierung der Präsentation in München war Roger Diederen, damaliger Kurator der Kunsthalle München, verantwortlich.

Zur Ausstellung erschien ein umfassendes und reichhaltig illustriertes Katalogbuch im Prestel Verlag. Grundlegende Beiträge ausgewiesener Experten positionieren darin anhand der ausgestellten Werke den dänischen Künstler in seinem künstlerischen und historischen Kontext.

Die Ausstellung in München stand unter der Schirmherrschaft Ihrer Königlichen Hoheit Prinzessin Benedikte von Dänemark.

Stationen eines Künstlerlebens

Barbara Buhler Lynes, Kuratorin des Georgia O’Keeffe Museums und Herausgeberin des Werkverzeichnisses der Künstlerin, hat diese Retrospektive über mehrere Jahre erarbeitet. Ihre Auswahl stellte mit prägnanten Beispielen alle Werkphasen O’Keeffes vor: Auf erste abstrakte Arbeiten der 1910er Jahre und Gemälde mit Blumen und Naturformationen der 1920er folgten die berühmten Stadtansichten New Yorks und Bilder von Lake George. Die weiten Landschaften New Mexicos, die dort typische Architektur und Stillleben mit Tierschädeln bildeten einen Höhepunkt, doch auch die großformatigen Arbeiten ihres Spätwerks fehlten nicht in dieser Ausstellung. Im Dialog mit den Fotografien sowie Filmen und Arbeitsmaterialien der Künstlerin, die erstmals außerhalb des O’Keeffe Museums gezeigt wurden, konnten Leben und Werk dieser außergewöhnlichen Frau gleichermaßen veranschaulicht werden.

Der amerikanische Westen

In den 1920er Jahren revolutioniert O’Keeffe die traditionelle Blumenmalerei, indem sie großformatige Bilder von Blüten malte, die sie wie durch eine Lupe gesehen aus der extremen Nahsicht zeigte. Ihre Gemälde von Gebäuden in New York, die zumeist aus derselben Zeit stammen, gelten als die amerikanischen Großstadtbilder schlechthin. Bereits 1929 verbrachte sie zum ersten Mal einen Teil des Jahres im Norden New Mexicos. In ihrem Werk zeigten sich von da an ortstypische Motive: Knochen und Steine, als Fundstücke aus der Wüste, ebenso wie einzigartige geologische Formationen oder die Lehmarchitektur der indianischen Ureinwohner, sogenannte Adobe-Häuser. Ab 1949 lebte sie bis zu ihrem Tod, mit 98 Jahren, in dieser Landschaft. Ihre Bilder davon sind bis heute Inbegriff des amerikanischen Westens.

Emanzipation

Georgia O’Keeffe ist eine der wichtigsten und bedeutendsten amerikanischen Malerinnen des 20. Jahrhunderts. Am Beispiel ihres Werkes wurde die Loslösung der amerikanischen Kunst von der Tradition Europas veranschaulicht. Ihr Leben verdeutlichte aber auch die Emanzipation weiblicher Künstlerinnen und prägte maßgeblich nachfolgende Generationen. Mitverantwortlich für diese einzigartige Position innerhalb der Kunstgeschichte Amerikas war ihre Bekanntschaft und spätere Ehe mit Alfred Stieglitz (1864–1946). Sein Engagement und seine Tätigkeit als ihr Galerist hatten ihre Karriere von Anfang befördert. Als Fotograf schätzte Alfred Stieglitz die junge Georgia O’Keeffe gleichermaßen als Künstlerin wie als Modell.

Die Ausstellung war eine Kooperation mit der Arthemisia Group und dem Helsinki City Art Museum.

Eine deutsche Ausgabe des Katalogs erschien im Hirmer Verlag mit Abbildungen sämtlicher an allen drei Stationen gezeigten Werken und Texten von Barbara Buhler Lynes, Walter Grasskamp, Sarah Greenough, Karin Koschkar, Christiane Lange und Carol Troyen.

Die Ausstellung wurde gefördert durch die Terra Foundation for American Art.

Das deutsche Porträt im Vergleich

Die Ausstellung widmete sich dem Blick des Künstlers auf den Menschen am Übergang vom Spätmittelalter zur Frühen Neuzeit im deutschen Sprachraum. Die frühe deutsche Porträtkunst war zuvor noch nie in einer eigens ihr gewidmeten großen Publikumsausstellung thematisiert worden. Denn allzu sehr hatten die Schatten altniederländischer oder italienischer Bildnisse den Blick auf die deutschen Beiträge zum Thema getrübt. Zwar dürfen sich die Niederländer rühmen, mit ihrem Naturalismus die Unverwechselbarkeit in der Abbildung des Menschen erst ermöglicht zu haben, und die Meister Italiens, dass sie durch die Spannung zwischen Idealisierung und Ähnlichkeit den Schönheitsbegriff einer ganzen Epoche, der Renaissance, prägten. Doch gelangte gerade auch die deutsche Bildnismalerei – an der Spitze ihre größten Exponenten: Dürer, Cranach d. Ä. und Holbein d. J. – zu hoch bedeutenden und sehr eigenständigen künstlerischen Leistungen, deren besondere Stärke in der authentischen Erfassung einer Person, gepaart mit der subtilen psychologischen Durchdringung der Dargestellten liegt.

Vielfalt der Einflüsse

Die Anfänge einer Auseinandersetzung mit dem Individuum im 15. Jahrhundert wurden ebenso in den Blick genommen wie die herausragenden Manifestationen der Bilder vom Menschen in der anbrechenden Renaissance. Neuere Forschungsansätze, die Bildnisse mit Hilfe schematisierter Normierungen auf einer sozialhistorischen Ebene deuten, fanden dabei ebenso Berücksichtigung wie die Frage nach Kunstlandschaften oder der stilbildenden Rolle besonders herausragender Künstlerpersönlichkeiten, die im Zentrum der Schau standen. Auch persönliche und regionale Stiltendenzen wurden aufgespürt und anhand aussagekräftiger Exponate veranschaulicht. Neben den Vertretern der frühneuzeitlichen ständischen Gesellschaft repräsentierte die Ausstellung aber auch Personen, die meist nicht als Individuum für darstellungswürdig erachtet wurden, sondern nur als anonyme Gruppe ins Blickfeld der Zeitgenossen gerieten: etwa der niedere Klerus, Mönche, Bauern oder Handwerker. Dabei interessiert der analytische Blick ebenso wie die ironische, bisweilen auch herablassende Perspektive.

genera dicendi

Diese Ausstellung präsentierte hochkarätige Zeugnisse der größten Künstler ihrer Zeit, die verdeutlichen, was zeitgenössische Kunstanschauung als unterschiedliche genera dicendi (also die drei rhetorischen Grundarten) der Kunst verstand: das Erhabene, Bedeutende, für das Dürer steht; das Einfache, Schlichte, für das Cranach eintritt; und schließlich Holbeins bis dahin unerreichte Interpretation der Wirklichkeit, der Raum und Körper so naturgetreu wiederzugeben vermochte, dass sie im Bild greifbar erscheinen – drei sich wechselseitig befruchtende Positionen, die bis heute unser Bild der altdeutschen Kunst bestimmen.

Für die Ausstellung Dürer – Cranach – Holbein stellte die Gemäldegalerie des Kunsthistorischen Museums in Wien selbst wichtige Exponate, bereichert um Werke aus der Kunstkammer und anderen Abteilungen des Hauses. Diese Gruppe war mit hochrangigen Leihgaben europäischer und amerikanischer Sammlungen ergänzt, um den Besuchern einen einzigartigen Dialog mit Altdeutscher Porträtkunst zu ermöglichen.

Die Schau wurde kuratiert von Karl Schütz, dem ehemaligen Direktor der Gemäldegalerie am Kunsthistorischen Museum Wien, und Christof Metzger (KHM), sowie von Christiane Lange und Roger Diederen von der Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, München. Zur Ausstellung erschien ein umfassender Katalog beim Hirmer Verlag in München, der mit grundlegenden Essays ausgewiesener Experten sowie einzelnen Objektbeschreibungen die präsentierten Werke in ihrem künstlerischen und historischen Kontext eingehend würdigt.

Typisch Schweiz

Lässt sich mit einem Blick über die Jahrhunderte etwas spezifisch Schweizerisches feststellen? Können bestimmte Sujets oder Formensprachen für ein Land aus der Summe seiner Kunstwerke herausgefiltert werden? Wie definiert man eine nationale, eine Schweizer Kunst? Sind es Werke von Künstlern, die in Schweizer Kantonen geboren wurden, auch wenn sie an ganz anderen Orten lebten und außerhalb ihrer Heimat Ruhm erwarben? Müssten nicht auch solche Arbeiten gezeigt werden, deren Schöpfer in der Schweiz wirkten und dort Schule machten, selbst wenn sie keinen eidgenössischen Pass erhielten? Die Ausstellung stellte sich bewusst diesen Fragen und erlaubte jedem Besucher, anhand einer Vielzahl von Meisterwerken einen neuen Blick auf die »Schweizer Kunst« zu werfen.

Vom Beginn der Eidgenossenschaft bis in die 1960 Jahre

Die Ausstellung begann mit einer Altartafel aus dem Jahr 1505, kurz nachdem die Eidgenossenschaft als vom Heiligen Römischen Reich unabhängig anerkannt wurde. Porträts aus dem 16. bis 18. Jahrhundert (darunter von Joseph Heintz d. Ä. und Jean Étienne Liotard) zeigten, wie stark der Protestantismus die Bildkunst der Alpenrepublik beeinflusste. Majestätische Bergpanoramen (Caspar Wolf bis Alexandre Calame) reflektierten die Idee eines Nationalstaats, wie ihn Schillers »Wilhelm Tell« (1804) verklärt und wie er seit 1848 auch völkerrechtlich anerkannt wurde.

Künstlerräume von Albert Anker und Karl Stauffer-Bern über Giovanni Segantini und Arnold Böcklin bis zu Ferdinand Hodler und Félix Vallotton verdeutlichten eine unabhängige künstlerische Entwicklung, die auch außerhalb der Kantonsgrenzen an Bedeutung gewann. Von Hodler allein waren 13 Gemälde zu sehen, darunter seine symbolistischen Hauptwerke Der Tag und Die Nacht sowie Der Auserwählte und Eurythmie. Schon diese außergewöhnliche Hodler-Präsentation lohnte einen Ausstellungsbesuch.

Mit der Familie Giacometti – den Vettern Augusto und Giovanni (dem Vater Albertos) – und Cuno Amiet wurde die Schweizer Auseinandersetzung mit dem Neoimpressionismus verdeutlicht. Louis-René Moilliet und Johannes Itten vertraten als Mitglieder des Blauen Reiter beziehungsweise des Bauhauses weitere künstlerische Entwicklungslinien zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Im Ersten Weltkrieg fand Ernst Ludwig Kirchner in Davos die Ruhe, seine zweite Karriere aufzubauen. Mit seinem Spätstil prägte er die Schweizer Kunst.

Mitte der 1920er Jahre begründet der Kreis um André Breton in Paris eine neue Geisteshaltung. Der Surrealismus öffnet der Kunst die Welt des Unterbewussten und gibt Außenseitern wie Adolf Wölfli eine Plattform. Berühmtester Bildhauer des Surrealismus wird der junge Schweizer Alberto Giacometti, der nach der Krise des Zweiten Weltkriegs jedoch eine unabhängige Entwicklung einschlägt. Ebenso ein Einzelgänger ist Paul Klee, der mit 16 Arbeiten in dieser Ausstellung vertreten war, was die besondere Bedeutung dieses in Bern geborenen Künstlers in seiner Heimatstadt hervorhebt.

Werkgruppen von Sophie Taeuber-Arp und Meret Oppenheim zeigten, welch wichtige Rolle in der Schweizer Kunst auch Frauen spielen. Eine Tradition, auf die die international gefeierte Pipilotti Rist aufbaut.

Parallel zu den gegenständlichen Versuchen, die Kunst zu erneuern, entwickeln sich ab 1910 auch überall abstrakte Avantgarden, wie die Konstruktivisten in der Sowjetunion oder De Stijl in Holland. Ziel der Konkreten Kunst ist es, den Bildinhalt vom rein Gegenständlichen, Erzählerischen zu befreien und in eine Darstellung von Struktur zu überführen. Hier zeigen sich die Schweizer Künstler wie Max Bill als Zeitgenossen einer Europäischen Moderne. Spätestens jetzt kann man nicht mehr von einer Schweizer Kunst sprechen, sondern von einer internationalen Moderne.

»… [es scheint] fast, die Schweiz wäre von Gott für die Moderne vorbestimmt gewesen. Das Saubere, Sachliche und Berechenbare – die gediegene Seite der Avantgarde – scheint in die Schweizer Mentalität eingeflösst seit der Erschaffung der Alpen.«
Beat Wyss

Die Kehrseite dieser Schweizer Ordentlichkeit ist das Existentiell-Abgründige. Künstler wie Daniel Spoerri, Jean Tinguely und Dieter Roth verdeutlichen helvetische Doppelbödigkeit. Sie loten in der Nachfolge von DaDa im prozesshaften Erfahren von Wirklichkeit den Kunstbegriff aus und verwandeln Banales, ja Abstoßendes wie Müll oder Exkremente in Kunst. An internationalen Bewegungen wie Nouveau Réalisme, Eat Art, Fluxus und Happening sind so auch stets Schweizer beteiligt.

Parallel wird in den 1960er Jahren die Darstellung einer gegenständlichen Welt für viele Künstler wieder interessant. Sie bestimmen das Verhältnis von Fotografie und Malerei neu und auch hier zeigte sich mit Franz Gertsch der internationale Bezug zum amerikanischen Fotorealismus, der mit der Pop Art den Abstrakten Expressionismus ablöst.

Die Auswahl der Werke für diese Ausstellung wurde von Roger Diederen, Matthias Frehner und Christiane Lange getroffen. Im Anschluss an die Präsentation in München zeigte das Kunstmuseum Bern diese Zusammenstellung auch im eigenen Haus. Ab September 2011 wurde die Schau dann in konzentrierter Form noch im Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design in Oslo gezeigt.

Realistische Motive

In dieser umfangreichen Übersichtsausstellung, die sich mit dem komplexen wie faszinierenden Phänomen des Realismus beschäftigte, war das verbindende Element der ausgewählten Kunstwerke die hochgradig glaubwürdige, objektive und detailgenaue Imagination der sichtbaren Wirklichkeit. Perspektive und Schatten, Anatomie und Raum, Oberfläche und Atmosphäre stimmen in hohem Maße mit den Erfahrungen der Wirklichkeit überein. In acht Kapiteln wurden jeweils fünfzehn bis zwanzig Künstlerpositionen gezeigt. Diese waren: Stillleben: Die Welt der Dinge; Das Interieur: Aura und Magie des Raums; Die Stadt: Lebensraum und Bühne;Landschaftsdarstellungen: Raum und Zeit; Das moderne Historienbild: Konstrukt oder Zeugnis; Das Genrebild: Dokument oder Inszenierung? Das Porträt: Grenzen des Sichtbaren; Der Akt: Natürlichkeit oder Pose. Jedes Kunstwerk konnte in den Dialogen seine Eigenart besonders gut zur Entfaltung bringen, ohne auf ein kulturhistorisches Dokument reduziert zu werden. Der Betrachter wurde somit motiviert, über historische Grenzen hinweg Fragen nach der Darstellbarkeit von Wirklichkeit und der Funktion von Kunst bei der Konstruktion von Realität nachzugehen.

Vom 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart

Die Ausstellung »Realismus – Das Abenteuer der Wirklichkeit« hat einen weiten Bogen vom Realismus des 19. Jahrhunderts über die Neue Sachlichkeit, die Pop-Art und den Fotorealismus der 1960er Jahre bis zur Kunst der Gegenwart gesponnen. Der Fokus der über 180 Kunstwerke war auf präzise und detailgenaue Auseinandersetzungen mit der Wirklichkeit gerichtet. Von malerischen und expressiven Tendenzen des Realismus wurde dagegen bewusst abgesehen. Kunstwerke aus allen Medien, Malerei, Fotografie, Skulptur, Videokunst und Grafik von über 120 internationalen Künstlern wurden einander gegenübergestellt. Unter den Künstlern fanden sich berühmte Klassiker wie Gustave Courbet, Edward Hopper, Christian Schad oder Duane Hanson sowie eine Reihe international renommierter Künstler der Gegenwart von Gerhard Richter bis Andreas Gursky, aber auch junge Positionen, die es zu entdecken galt.

Die Ausstellung von Nils Ohlsen und Christiane Lange entstand in Zusammenarbeit der Kunsthalle Emden und der Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung. In Emden war sie vom 23. Januar bis 24. Mai 2010 zu sehen. Im Anschluss an die Münchner Präsentation ging »Realismus – Das Abenteuer der Wirklichkeit« in leicht veränderter Form in die Kunsthalle Rotterdam.

Seltene Einblicke

Die königlichen Sammlungen von Udaipur und Jodhpur stellten einige herausragende Gemälde und Objekte als Leihgaben zur Verfügung. Ein weiteres Objekt, das zum ersten Mal in Europa zu sehen war, war das Kollier von Patiala, Teil des größten Einzelauftrags, den Cartier jemals ausführte. Das Kollier wurde 1928 fertig gestellt und im Jahr 2002 restauriert; es fasste ursprünglich 2.930 Diamanten und kam auf fast 1000 Karat.

Den Auftakt der Ausstellung machte eine Prozession mit lebensgroß nachgebildeten Elefanten und Pferden, die prächtig geschmückt die silberne Sänfte eines Maharajas trugen und so einen Eindruck eines solch bombastischen indischen Umzugs geben konnten.

Danach wurde das Herrschermodell Indiens um 1800 und die Rolle der Maharajas als spirituelle und militärische Führer, Politiker und Mäzene anhand von außer-gewöhnlichen Exponaten vorgestellt. Die Symbole ihres Standes waren unter anderem ein »Gaddi« (Thron) aus Udaipur, aufwendig gearbeiteter Turbanschmuck, Zeremonienschwerter wie auch ein goldener, mit Diamanten besetzter »Ankus« (Treibstock für Elefanten). Eine Sänfte aus Jodhpur trug die Maharani (Frau des Maharajas) und erlaubt den seltenen Einblick in das Leben der Frauen in den Palästen. Das Innere der Sänfte war mit originalen Drucken und Kissen ausgestattet.

Wandel im Indien des 18. und 19. Jahrhunderts

Anschließend erzählte die Ausstellung von der Machtverschiebung und dem kulturellen Wandel im Indien des 18. und 19. Jahrhunderts. Der Zerfall des Mogulreichs führte zu einer Zeit politischen Umbruchs, in der rivalisierende indische Herrscher Land für sich beanspruchten. Zu bewundern waren hier der goldene Thron des Maharajas Ranjit Singh wie auch die Waffen und die Rüstung von Tipu Sultan von Mysore und des Maratha-Herrschers Yeshwant Rao Holkar von Indore. Diese Ära war auch geprägt von der raschen Ausweitung der territorialen Interessen der Britischen Ostindien-Kompanie, was zu einer Vermischung englischer und indischer Kultur führte. Diese spiegelte sich deutlich in Objekten wie dem »Spode« Tafelservice und einem Stuhl wider, der für den Nawab (Herrscher) von Awadh im Stil des »Ägyptischen Revival« entworfen wurde.

Das nächste Kapitel widmete sich den imperialen Versammlungen, den so genannten Durbars des Raj, was großformatige Gemälde und seltenes Filmmaterial anschaulich machten. Dieser Teil der Ausstellung zeigte auch einen Teppich aus Perlen, Rubinen, Smaragden und Diamanten, der für den Maharaja von Barod gewebt und auf dem Durbar im Jahr 1903 ausgestellt wurde.

Der Europäische Einfluss

Der letzte Teil der Ausstellung befasste sich mit der Rolle der »modernen« Maharajas während der Zeit des Raj und dem zunehmend europäischen Einfluss auf ihr Leben. Fotografen und Künstler wie Man Ray, Cecil Beaton oder Rja Ravi Varma dokumentierten mit Porträts von Maharajas und ihrer Frauen sowohl in indischer als auch europäischer Kleidung diesen Wandel.

Das Mäzenatentum der Maharajas bescherte europäischen Unternehmen die größten Aufträge und brachte luxuriöse Arbeiten hervor. Beispiele dafür waren Saris von einem führenden französischen Haute-Couture-Designer, ein Kostüm von Madeleine Vionnet, ein Kollier mit Diamanten und Smaragden von Van Cleef & Arpels und ein Reisekoffer von Louis Vuitton.

Die Maharajas waren auch die Förderer der sich damals entwickelnden europäischen Avantgarde. Ebenfalls in der Ausstellung zu sehen war Mobiliar im Stil des Art Deco, das in den 30er Jahren des 20. Jahrhunderts vom Maharaja von Indore für seinen Palast in Auftrag gegeben worden war. Auch architektonische Entwürfe für den Palast Umaid Bhawan, eine moderne Residenz, die auf Wunsch des Maharajas von Jodhpur erbaut wurde, war zu sehen.

Diese Ausstellung belegte, dass Indiens Herrscher nicht nur bedeutende Kunstmäzene im eigenen Land, sondern auch im Westen waren. Gleichzeitig wurde die faszinierende geschichtliche Entwicklung der Rolle der Maharajas vom frühen 18. Jahrhundert bis zu den letzten Tagen des Raj erzählt.

Anlässlich der Ausstellungseröffnung in München war His Highness Maharana Arvind Singh Mewar of Udaipur anwesend.

Die Ausstellung stand unter der Schirmherrschaft des indischen Botschafters in Deutschland und des deutschen Botschafters in Indien.

Von der Ablehnung zum grenzenlosen Erfolg

Nachdem Mucha 1878 das Eintrittsexamen an der Prager Kunstakademie nicht bestand, übersiedelte der junge Künstler 1879 nach Wien, wo er bis 1881 als Kulissenmaler tätig war. Neben dem Zauber des Theaters beeinflusste ihn die mondäne Kunst des Wiener Malerfürsten Hans Makart (1840–1884), was in dieser Ausstellung mit einem erst jüngst wiederentdeckten großformatigen Wandgemälde Makarts anschaulich wurde. Nach einem zweijährigen Studienaufenthalt in München (1885–1887) zog Mucha 1889 nach Paris, wo er mit seinen Plakatentwürfen, insbesondere für die Schauspielerin Sarah Bernhardt (1844–1923), weit über die Grenzen Frankreichs hinaus Ruhm und Ansehen erwarb.

Mucha und die Pavillons

Zu den Höhepunkten der Ausstellung gehörten die Rekonstruktion des Pavillons Bosnien-Herzegowina (1900) für die Weltausstellung in Paris, sowie die Präsentation von zwei monumentalen Gemälden aus dem vielteiligen »Slawischen Epos« (1910–1926). Diese Werkzyklen in Muchas künstlerischem Schaffen wurden zuvor wenig wahrgenommen. Dabei zählen seine für die unterschiedlichen Pavillons und Länder geschaffenen Beiträge zur Pariser Weltausstellung 1900 sicherlich zu den bedeutendsten Arbeiten Muchas. Nachdem er seine eigenen Pläne für einen »Pavillon de l’Homme« nicht realisieren konnte, erhielt der Künstler die Gelegenheit, mit den monumentalen Wandmalereien für den Pavillon Bosnien-Herzegowina letztlich doch einen wichtigen Beitrag für das Pariser Großereignis der Jahrhundertwende zu liefern. Auf mehr als 250 Quadratmetern Leinwand schilderte er die Geschichte der beiden einstmals osmanischen Provinzen, die 1878 in Folge des Berliner Kongresses von Österreich-Ungarn besetzt worden waren. Der Großteil dieser Wandbilder ist erhalten und war erstmals innerhalb der maßstäblich rekonstruierten Zentralhalle des Pavillons wieder zu sehen.

Obwohl Paris um die Jahrhundertwende immer noch als künstlerisches Zentrum galt, entschloss sich Mucha nach mehreren Besuchen in den Vereinigten Staaten, Frankreich 1910 für immer zu verlassen und wieder in sein Heimatland zurückzukehren. Ausschlaggebend für diesen Schritt war sicherlich nicht nur sein schwindender Erfolg in Paris, sondern auch ein Auftrag der Stadt Prag zur Gestaltung des Primatorensaals im Prager Repräsentationshaus »Obecní Dum« (1912). Auch Gemälde zu diesem Dekorationsprogramm sind in der Ausstellung zu sehen.

Rückkehr in die Heimat

Mucha hegte schon lange den Wunsch monumentale Werke zu schaffen, die sich mit der Geschichte seines Heimatlandes und den großen Themen der Menschheit auseinandersetzen. Die Unterstützung des amerikanischen Mäzens Charles R. Crane (1858–1939) ermöglichte ihm dann die Realisierung eines Zyklus mit 20 großformatigen Darstellungen zur Geschichte der Slawen: das so genannte »Slawische Epos« (1910–1926). Als Geschenk für die Stadt Prag konzipiert, befindet es sich derzeit in einem Schloss in Moravský Krumlov, unweit von Wien. In der Ausstellung waren zwei der Gemälde, sowie eine Anzahl von Skizzen, Studien und Übertragungszeichnungen der Serie zu sehen. Diese monumentalen Hauptwerke verdeutlichen nicht nur eine neue Entwicklung im künstlerischen Werdegang Muchas, sondern bilden letztlich die Synthese all seines bisherigen Schaffens und verschmelzen darin gleichzeitig seine Vorstellungen von der Rolle der slawischen Völker innerhalb Europas.

Wir danken unseren tschechischen Partnerinstitutionen dafür, dass diese wesentlichen Werkkomplexe erstmals in solchem Umfang ausgestellt werden können. Die Leihgaben für den Pavillon Bosnien-Herzegowina stammten aus den Sammlungen des Museums für angewandte Kunst, Prag sowie dem Musée d’Orsay, Paris. Die Gemälde des »Slawischen Epos« und des Primatorensaals in Prag waren Leihgaben der Galerie Hlavního Mesta Prahy (Galerie der Hauptstadt Prag). Eine solch umfassende Präsentation von Muchas Oeuvre wäre natürlich ohne die großzügige Unterstützung des Mucha Trust undenkbar gewesen. Ihm gilt unser Dank ebenso wie den zahlreichen internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen, die uns Werke als Leihgaben zur Verfügung gestellt haben. Wir freuen uns, mit dieser internationalen Ausstellungskooperation eine neue Sicht auf diesen wahrhaft europäischen Künstler präsentiert zu haben.

Dr. Jean-Louis Gaillemin hat als Kurator dieses Projektes gemeinsam mit Dr. Roger Diederen, Kurator der Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, die Ausstellung für München zusammengestellt.

high and low culture 

Jean Dubuffet ist einer der wichtigsten Impulsgeber in der Kunst des 20. Jahrhunderts. Seine Vermittlerrolle zwischen der Poesie eines Paul Klee oder Max Ernst und den sensiblen Oberflächen der informellen Malerei der 50er Jahre wurde von seinen Künstlerkollegen zu allen Zeiten wahrgenommen und geschätzt. Durch sein Interesse für das Abseitige, wie die Kunst von Außenseitern oder das Erkennen des kreativen Potentials von Straßenkunst, hat er bis heute die allgemeine Wahrnehmung verändert. Er schätzt und sammelt solche Werke und prägt für diese ursprünglichen Ausdrucksformen den Begriff »Art Brut«, der bis auf das revolutionäre Potential jedoch nichts mit seiner eigenen, sehr intellektuellen Herangehensweise an die Kunst zu tun hat. Die einstmals schockierende Bildsprache von Graffities und Schmierereien auf Pissoirs oder Häuserwänden findet in seinen Werken zu einer neuen Ästhetik. Das heute so zeitgemäße Verschränken von »high and low culture« findet bei Dubuffet ihren Ausgangspunkt.

Material-Vielfalt

Nach mehreren Anläufen wendet sich Dubuffet Mitte der 40er Jahre endgültig der Kunst zu. Die Ausstellung setzte mit Arbeiten dieser Jahre ein und führte mit signifikanten Gruppen seiner verschiedenen Werkphasen durch das gesamte Oeuvre. Zu den figurativen Anfängen seiner Marionettes de la ville et de la campagne gesellten sich alsbald aus Sand, Gips und Teer gespachtelte, geknetete, geradezu »gekochte« Materialbilder. Sie zeigen die Menschen aus Paris und nach seinen Sahara-Reisen auch aus der Wüste. Die geradezu gewalttätig aufgewühlten Leiber seiner Corps de dames markieren mit ihren sensiblen Oberflächenstrukturen einen Übergang zu den völlig ungegenständlichen aber konkreten »Texturologies« und »Matériologies«. Diese zellenartigen, manchmal mikroskopisch anmutenden Célébrations du sol verwandeln sich nach der Rückkehr des Künstlers von der Côte d’Azur nach Paris ab den 60er Jahren zu grell leuchtenden Bildern des »Paris Circus«. Nun erst beginnt in den Augen von Dubuffet erst seine abstrakte Phase: Der Künstler erfindet nach seinen Materialitäten nun eine geistige Welt, die ausschließlich aus den Farben Rot und Blau und den Unfarben Weiß und Schwarz besteht. Diese virtuelle Welt des Hourloupe wird mit der Zeit konsequent dreidimensional, begehbar und schlussendlich sogar mit Schauspielern in Coucou Bazar bevölkert. In den 70er Jahren collagiert der Künstler in einer Art Rückschau auf das eigene Werk ein Théâtres de mémoire. Ehe sich in den letzten Lebensjahren seine Welt in Sites (Gegenden), Mires (Blickpunkte) und schließlich Non-lieux (Nicht-Orte) auflöst.

Kunst muss den Geist anrempeln um ihn in Bewegung zu versetzen

Die Ausstellung zeigte Schlüsselwerke all dieser Phasen und verdeutlichte die organische Entwicklung, die das Werk Dubuffets von Figuration zur Abstraktion und wieder zurück zur Figuration durchzieht. Immer wieder hat Dubuffet gefordert, »Kunst müsse den Geist anrempeln um ihn in Bewegung zu versetzen«. Er gibt dieser Forderung Ausdruck in unverbrauchten Medien und ungewohnten Formen innerhalb seines Schaffensprozesses. Dabei geht es ihm vor allem darum, das Andere und Neue realisierbar werden zu lassen.

Ausgehend vom selten gezeigten Bestand der Sammlung Viktor und Marianne Langen, der größten Jean Dubuffet Sammlung in Deutschland, war es der Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung gelungen, mit intensiver Unterstützung der Fondation Dubuffet in Paris, eine Auswahl zu treffen, welche das gesamte Schaffen des französischen Künstlers vorgestellt hat. Wichtige Leihgaben aus Museen wie dem Centre Pompidou, dem Musée des Arts décoratifs Paris, der Neuen Nationalgalerie in Berlin und zahlreichen Museen, Galerien und Privatsammlungen aus ganz Europa konnten für die Ausstellung gewonnen werden.

Vorangegangen war der Münchner Ausstellung eine wesentlich kleinere Präsentation in der Langen Foundation in Neuss. Diese erste Einzelschau setzte mit ca. 50 Gemälden Dubuffets den Akzent auf wichtige Arbeiten aus der Sammlung Viktor und Marianne Langen.

Nach der großen Retrospektive in München wurden vom 29. September 2009 bis 10. Januar 2010 insgesamt 30 ausgewählte Gemälde und Papierarbeiten aus einigen Schaffensphasen im Museum Lothar Fischer in Neumarkt gezeigt. Dort traten sie mit den Werken des Münchner SPUR-Künstlers Lothar Fischer, der Dubuffet kannte und sein Schaffen außerordentlich schätzte, in einen Dialog.

Im Literaturhaus München wurde zeitgleich zu der Ausstellung in der Münchner Kunsthalle die Ausstellung »Jean Dubuffet – Leben und Bücher« gezeigt. Im Mittelpunkt standen dabei seine Künstlerbücher, die ihn gleichermaßen als Dichter, Zeichner und Schriftsteller ausweisen.